Что хранится в Музее современного искусства: 11 неоднозначных работ, производящих двоякое впечатление



В Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке хранится, пожалуй, самая полная и значительная коллекция современного искусства в мире. В общей сложности этому музею принадлежит около двухсот тысяч отдельных произведений искусства, и их число растёт с каждым годом, пополняя и без того впечатляющую коллекцию. Но сегодня речь пойдёт о самых неоднозначных работах, на которые стоит обратить внимание.


Муж героический и возвышенный



Слева направо: Барнетт Ньюман. \ «Onement 1», Барнетт Ньюман, 1948 год (первый пример использования так называемой молнии для определения пространственной структуры картины).

«Муж героический и возвышенный» Барнетта Ньюмана - одно из самых известных его произведений. Картина довольно-таки массивная, размером почти два с половиной метра в высоту и более пяти метров в длину. Стоя перед картиной, человек окутан возвышенной, экзистенциальной задумчивостью, ловко созданной художником. К сожалению, всю глубину данного произведения искусства можно оценить только при личном просмотре. Тем не менее, даже через экран компьютера или телефона, зритель запросто может почувствовать то, насколько неоднозначна эта на первый взгляд простая работа, где главным акцентом выступает красный цвет, приковывающий взгляд с первых же секунд.




Муж героический и возвышенный, Барнетт Ньюман, 1950-51 гг. \ Фото: twitter.com.

Лестница Иакова



Слева направо: Хелен Франкенталер в своей студии на 83-й Восточной улице, Нью-Йорк, перед Гибридной энергией (в процессе), 1973 год. \ Художница Хелен Франкенталер в своей студии на острове Довольства в Дариене, штат Коннектикут, в 2003 году, с работой Голубая леди, выполненной акрилом на бумаге.

Одна из самых ранних картин Хелен Франкенталер «Лестница Иакова» была написана маслом, а не акриловой краской. Это одно из немногих произведений искусства художницы, которое выполнено в технике пятен. Глядя на эту картину, зритель теряется в догадках, а разгулявшееся воображение и фантазия позволяют порой увидеть то, что не всегда бросается в глаза на первых минутах просмотра. Безусловно, произведение дарит ощущение спокойствия и умиротворения. Но, с другой стороны, оно также сильно держит в напряжении, интригуя до самого конца, оставляя при этом толику недосказанности.




Лестница Иакова, Хелен Франкенталер, 1957 год. \ Фото: pinterest.es.

Без названия



Кадзуо Сирага за работой.

Приобретённая в 2019 году эта картина является относительно недавним дополнением к коллекции Музея современного искусства. Тем не менее, это одно из самых великолепных произведений абстракции середины века во всём музее. Эта работа является примером техники «рисования ногами» Кадзуо Сирага (Ширага), когда он укладывал холст на землю, накладывал на него краску, а затем использовал ноги, чтобы распределить её по поверхности, часто подвешивая себя на верёвке, чтобы расположиться более удобно, а затем оставить более яркие и интересные отпечатки. С помощью этого нетрадиционного процесса Кадзуо удалось создать элегантные абстрактные произведения, подобные этому.
Данная картина в основном состоит из красных цветов и оттенков, которые, динамично и хаотично переплетаясь между собой, создают иллюзорную картинку, вызывающую безудержный ассоциативный ряд.




Без названия, Кадзуо Сирага, 1964 год. \ Фото: tumblr.com.



Маски, противостоящие смерти



Слева направо: Дом Энсора в Остенде, ныне — филиал Художественного музея на море (по состоянию на 2019 год закрыт на реконструкцию). \ Портрет художника на купюре 100 бельгийских франков.

Познакомьтесь с Джеймсом Энсором, знаменитым бельгийским художником. В этом произведении из Музея современного искусства фигура смерти смотрит на зрителя, в то время как вокруг толпятся персонажи в довольно-таки жутких масках. «Маски, противостоящие смерти», были написаны в 1888 году, в первые несколько лет художественной трансформации Энсора. С начала своей карьеры художника в конце 1870-х до середины 1880-х годов он работал в гораздо более сдержанной и традиционной манере, а в конце 1880-х годов начал создавать работы, подобные этой, с изображением причудливых фигур в масках, выполненных в ярких, насыщенных цветах. Несмотря на то, что произведения Энсора этого периода времени в некотором роде намекают на экспрессионизм, его собственный стиль слишком своеобразен, чтобы полностью ассоциироваться с каким-либо движением. Более позднее творчество художника характеризуется гротескностью, юмором и болезненностью.




Маски, противостоящие смерти, Джеймс Энсор, 1888 год. \ Фото: newlouis.everynon.com.

Настенный



Слева направо: Анни Альберс. \ Баухаус в Дессау, Германия.

Это текстильное изделие было соткано в соответствии с дизайном, выполненным Анни Альберс в 1927 году. Несмотря на то, что элементы узора просты, художник расставляет их с бесконечной сложностью и интересом, создавая своеобразный лабиринт из чёрных квадратов, так похожих на окна с потухшим светом.




Настенный, Анни Альберс, 1927 год. \ Фото: google.com

Божья коровка



Джоан Митчелл - американская художница, работавшая в стиле абстрактного экспрессионизма.

Джоан Митчелл была выдающимся абстрактным экспрессионистом второго поколения. Что отличает её и её современников от более ранних художников - абстрактных экспрессионистов, так это более тщательный подход к работе и энергичные мазки кисти. Действительно, рисовальная практика Джоан не была интуитивной или реактивной в том смысле, как можно было бы предположить. Вместо этого она использовала визуальные знаки и язык абстрактного экспрессионизма для создания более сложных, эстетически ориентированных композиций.




Божья коровка, Джоан Митчелл, 1957 год. \ Фото: artfulobserver.com.

«Божья коровка» демонстрирует способности Джоан к рисованию, показывая большое разнообразие техник и применений материала. Увидев эту работу впервые, зритель подчеркнёт сложность произведения, в котором слои краски разной вязкости создают прекрасные моменты текстуры и яркого цвета.

Equal



Ричард Серра - современный американский скульптор.

На первый взгляд может показаться, что массивная скульптура Ричарда Серры доминирует в окружающем пространстве Музея современного искусства. Однако, со временем, «Equal» развивает более спокойное присутствие. Несмотря на то, что блоки расположены не симметрично, они, как следует из названия, равны по размеру, и по мере того, как человек проводит время за работой, это равенство всё больше ощущается. Скульптура, её пространство и аудитория - всё с максимальной скоростью стремится к неизбежному равновесию, создавая лёгкое чувство тревоги и беспокойства.




Equal, Ричард Серра, 2015 год. \ Фото: pinterest.com.

Женщина с мёртвым ребёнком



Кете Кольвиц.

Эта душещипательная работа, созданная Кете Кольвиц запечатлела момент невообразимого горя, когда мать обнимает безжизненное тело своего сына. Кете часто ассоциируется с немецким экспрессионизмом, хотя её работы выделяются среди других в этом движении благодаря её точному рисунку. Здесь она тонко моделирует лицо мёртвого ребёнка, чтобы подчеркнуть его холодную неподвижность, в отличие от более свободного, выразительного рисунка тела матери, когда она охвачена страданием.




Женщина с мёртвым ребёнком, Кете Кольвиц, 1903 год. \ Фото: twitter.com.

Женщина I



Виллем де Кунинг. \ Фото: allarts.org.

В середине ХХ века работы Виллема де Кунинга представляли собой путь вперёд для фигуративного искусства на пике абстракции. В его произведениях искусства фигурация и абстракция сбалансированы и сочетаются с удивительными результатами. Ни одно произведение искусства не описывает это напряжение между фигурацией и абстракцией лучше, чем «Женщина I», одно из самых известных произведений де Кунинга. Фигура резко вырисовывается на фоне ярких цветов, от которых слегка рябит в глазах. Существование фигуры является чреватой проблемой, поскольку женщина, кажется, одновременно и сконструированной, и выведенной из шумной абстракции, и поглощённой ею. Эта работа является одной из самых ярких в коллекции Музея современного искусства, выражающей центральные проблемы модернизма.




Женщина I, Виллем де Кунинг, 1950-52 гг. \ Фото: leveland.com.

Улица в Дрездене



Эрнст Людвиг Кирхнер. \ Фото: sartle.com.

В этом знаменитом примере немецкого экспрессионизма Эрнст Людвиг Кирхнер показал скрытые тревоги современного города. Толпы, населяющие улицы Дрездена, кажутся одновременно как недифференцированной массой, так и сильно отделёнными друг от друга. Все фигуры утратили свою индивидуальность в суровом стиле живописи Кирхнера, превратившись в перекрывающиеся, диссонирующие массивы цветов. Однако эти субъекты, по-видимому, также абсолютно не знают друг о друге. В сцене нет действия, нет повествования, нет ничего, за что можно было бы зацепиться или узнать себя. Те лица, которые можно разглядеть в толпе, пусты, возможно, смутно насмешливы. Так блестяще запечатлено на этой картине отчётливо современное чувство массового отчуждения, что, глядя на изображение, хочется машинально сжаться, втянув голову в плечи.




Улица в Дрездене, Эрнст Людвиг Кирхнер, 1908 год. \ Фото: google.com.

Дворец в четыре часа утра



Дворец в 4 часа утра, Альберто Джакометти, 1932 год . \ Фото: parathyro.politis.com.cy.

Эта скульптура является примером ранней сюрреалистической работы Альберто Джакометти. По словам Альберто, это произведение искусства было сделано именно так, как он мог себе представить. Эта близость к его воображению привела к созданию произведения, которое, кажется, не принадлежит нашему миру и изо всех сил пытается сохранить себя. Сооружение такое лёгкое и пустое, что кажется, будто оно вот-вот рухнет. По сравнению с другими скульптурами Джакометти, особенно с более поздними работами (основанными на чрезмерной обработке материалов), «Дворец в четыре часа утра» кажется почти уникально тихим и точным. Тем не менее, он отражает ощущение экзистенциальной хрупкости, которое пронизывает так много работ Джакометти.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/161221/51831/

Комментарии закрыты.